1. 西洋美术史
  2. 一.巴洛克艺术的意义及背景
  3. 二.巴洛克艺术的特色
  4. 三.巴洛克时代的代表性艺术家
  5. 四.洛可可艺术
  6. 五.洛可可艺术代表画家
  7. 六.巴洛克艺术与洛可可艺术差异
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一.巴洛克艺术的意义及背景

1、意义与背景
   艺术史家以「巴洛克」(Baroque)来称呼西元 1600 年到 1750 年之间的欧洲
艺术。
   十五世纪末期以后,欧洲各国不断扩展科学新知,产生了许多发明;而地理上的新发现,造成了通商与殖民的兴盛,物质趋於富有,思想则日益自由。十六世纪到十八世纪是欧洲的君主专制时代,各国之间常因扩张领土而发生战争。此外,因为宗教改革所引起的新、旧教权力之争,导致后来的宗教战争。这些日趋复杂的局势,对当时的艺术发展有相当大的影响。巴洛克艺术便是在这样的时代背景下,产生於罗马,也就是旧教的中心,随后即传遍了欧洲及美洲部分地区。

巴洛克艺术(Baroque art)是十七世纪欧洲的艺术风格,初发源於17世纪教皇统治的罗马,那时义大利是欧洲艺术中心,但在巴洛克后期,欧洲艺术中心移转到法国,它并没有明确的艺术风格,只能算是一种爱好和时尚。

文艺复兴意味著平衡、适中、庄重、理性与逻辑;而巴洛克却意味著运动、追求新奇、热中於无穷、不安和对比、以及各种艺术形式的大胆融合。巴洛克艺术一反文艺复兴艺术的平静和克制,而表现为戏剧性、豪华与夸张。

十七世纪欧洲强权扩张,掠夺海外殖民地累聚巨富,生活上提倡豪华享受,因此对建筑、音乐、美术也要求豪华生动、富於热情的情调。

十七世纪欧洲有新旧教的权力之争。旧教势力用暴力镇压信徒,再积极利用艺术思想形态――巴洛克,去迷惑、征服人心。

巴洛克艺术不排斥异端的感官喜悦,亦忠实於基督教的世界观,故亦是「基督教化的文艺复兴」。

2、词源与含义

巴洛克一词的来源可能有三: 义大利语的baroco,指中世纪繁缛可笑的一种神学讨论;义大利语的barocchio,指暧昧可疑的买卖活动;葡萄牙语的barocco,指畸形的珍珠。三词皆含悖礼怪奇之意,因此从十八世纪的建筑师责难十七世纪那种复杂而考就的样式,生气地称它为「荒谬的、奇怪的、巴洛克的」称呼之后,巴洛克这一词就被相沿成习了。

学术研究中,确定巴洛克艺术地位的是德国艺术史家沃尔夫林(H.wofflin),他的著作《文艺复兴与巴洛克》(1888)、《美术史原理》(1915),前者指出巴洛克是继文艺复兴之后的主要流派,并对其形式特点作了分析和历史考察。后者认为巴洛克风格可作为每一文化或文明进入后期阶段的特徵,使之具有更为普遍的意义。

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二.巴洛克艺术的特色

在欧洲文化史中,「巴洛克」惯指的时间是十七世纪以及十八世纪上半叶,这一时期,上接文艺复兴,下接古典时期与浪漫时期。

  巴洛克艺术源於「反宗教改革」运动,最初的发源地是被教皇统治的罗马,后来向北及向西扩展到其他欧洲地区。当时天主教会认为感情及感官有助於对教会认同的提升,因此巴洛克艺术经常以椭圆形为基础,并偏爱复杂的形状以及空间的动态对立和贯穿,藉以提升观赏者的情绪及官能感觉。其他特质是宏伟、戏剧性、对比[尤其在照明方面]、丰满匀称,也常把运用丰富的表面、扭曲的元素、镀金的雕像做出令人目眩的排列。建筑师则毫不掩饰地应用亮色和梦幻而绘制生动的天花板。

  相较於文艺复兴时期著重平衡、适中、庄重、理性与逻辑的艺术风格,巴洛克艺术却强调动势、热中表现或暗示无穷、不安和对比的感觉、擅用光的特性创造戏剧性、夸张、透视的效果,并且不拘泥各种不同艺术形式之间的界线,将建筑、绘画、雕塑等艺术形式融为一体。


巴洛克艺术的风格是承袭自文艺复兴末期的矫饰主义,反对 复杂化和公式化的 矫饰主义(样式主义),代之而起的是较为不复杂、比较写实与更令人激赏的风格。 著重在强烈感情的表现,而不像鼎盛期文艺复兴以前那样的严肃、含蓄。此时强调流动感、戏剧性、夸张性等特点,常采用富於动态感的造型要素,如曲线、斜线等。其风格趋向,多少也反映了当时欧洲的动荡局势、不安而丰裕的现实景象。

善用动势 :不管是实际的,如波形的墙面或不断变化的喷射状的喷泉:还是含蓄的,如描绘成充满活力或动作显著的人物(不再如古典文艺复兴时的静态表现,而呈现歪斜配置的动感)。
力图表现或暗示无穷感 :例如伸向地平线的道路,展现无际天空幻觉的壁画,运用变换透视效果使其变得扑塑迷离的镜面手法。
强调光线 :设计一种人为光线,而非自然的光,产生一种戏剧性气氛,创造比文艺复兴更有立体感、深度感、层次感的空间。造成轮廓线模糊,构图有机化,而有整体感。
追求戏剧性 、夸张、透视的效果 。
不拘泥各种不同艺术形式之间的界线 ,将建筑、绘画、雕塑等艺术形式融为一体。

  建筑方面,装饰华丽,古典的样式和曲式、曲线并用,椭圆形大厅、圆形屋顶颇为常见;注重建筑物四周景观,有广场、庭园、喷泉、雕像等的搭配。著名的法国凡尔赛宫、罗马圣彼得大教堂,就是这时期的代表性建筑物。

巴洛克艺术-凡尔赛宫(法国国王路易十四建立)
巴洛克艺术-罗马圣彼得大教堂

  雕刻方面,富於动感,表现出流畅复杂的戏剧性效果:常和绘画混和应用,并与建筑相结合,成为建筑物内外的装饰,贝里尼(Bernini)为圣彼得大教堂所做的雕像即为代表。

  绘画方面,追求画面动感,常出现对角线、弧线等构图方式;并运用明暗对比
来描写物体和统一画面,产生戏剧性的光影和色彩,如卡拉瓦乔(Caravaggio)
鲁本斯(Rubens)拉突尔(La Tour)林布兰(Rembrandit)等人的作品,都是
典型的作品。巴洛克时期的绘画除了绘於教堂内的顶棚(天花板)之外,独立存在
静物画、风景画、肖像画与大为流行。

  当时各国重要画家包括:

  义大利 — 卡拉瓦乔[Caravaggio 1571~1610]

  法国 — 拉突尔[La Tour 1593~1652]
     — 普桑[Poussin 1594~1665]

  西班牙 — 维拉斯奎兹[Velazquez 1599~1660]

  法兰德斯 — 鲁本斯[Rubens 1577~1640]
     — 范戴克[Van Dyck 1599~1641]

  荷兰 — 林布兰[Rembrandt 1606~69]
     — 哈尔斯[Hals l581~1666]
     — 维梅尔[Vermeer 1632~75]等

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三.巴洛克时代的代表性艺术家

义大利

卡拉瓦乔[Caravaggio 1571~1610]

卡拉瓦乔是巴洛克绘画的先驱,跟米兰画家培德查诺(Simone Peterzano )学画,并受威尼斯画派的影响。他的作品的特色是利用光线的明暗衬托出真实的空间感,并大胆舍弃对所有细节的描写,以创造出画面戏剧性的效果。他对自然的态度是直观的,经常以粗野或纯朴的市民为模特儿绘制肖像画,他在静物画上的成就也十分突出。

巴洛克艺术-卡拉瓦乔(音乐会 Concert)

  卡拉瓦乔的一生,从生活到艺术,都是一个叛逆者和革新者。他的个性狂野、暴躁、易怒,总是想要脱离旧时的规范,重新思考艺术的意涵。约在 1590 年,卡拉瓦乔为圣路吉教堂[San Luigi dei Francesi]画了著名的祭坛画《使徒马太和天使》[The Inspiration of St. Matthew]。在画面上,有两个等身大的人物,使徒马太完全是一个农民的样子,好像正在吃力地写字。卡拉瓦乔对宗教画的理解是:应该把流浪汉、农民、渔夫的形象引进神圣的教堂。

  初期皇宫中的四组壁画:「圣礼的争辩」(神学)、「雅典学派」(哲学)、「巴那斯山」(文学)、「法律」等幅壁画是他的亲笔,他选用历史画的方法处理这些带有象徵性的主题,反映当时教会人士的要求。其代表作包括「西斯廷圣母」、「自画像」、「教皇利奥十世像」等。此外,还画了不少建筑设计图稿。

巴洛克艺术-卡拉瓦乔(使徒马太和天使 The Inspiration of St. Matthew)

  他的早期作品多为静物画,另有一些戏剧化的小幅自画像,这些自画像混合有北方的明晰和威尼斯的朦胧感,对比强烈,描绘精细。晚年作品极其晦暗,某些作品已受损,但作品中直率的图像,朴实而深切,表现出一种新的,强烈的戏剧化情感。

  他革命性的表现技巧,使他卷入永无止境的论战里。这些非难(包括如祝卡洛 (Zuccaro) 等学院派后期矫饰主义画家对他的反对)主要在於他那生动的写实精神,采用时装及现实背景,排斥理想化、内容繁复。


法国

拉突尔[La Tour 1593~1652]

  拉突尔是法国传统画家,他最著名的是以烛光作为光源所画出来的晚景。

  他的作品深受义大利画家卡拉瓦乔的影响,尤其是有关光影的部分;另外,他也受到了荷兰画家 Hendrick Terbrugghen 和 Gerrit van Honthorst 的影响。他的夜景通常只用一盏烛光为光源,因此强烈的表现出亮度和阴影的差距。

巴洛克艺术-拉突尔(木匠圣约瑟 Christ in the Carpenter's Shop)

  他晚年的作品演变出一种人像风格,画里的人体都约减成最单纯的几何造型,并且安置得详静平和。

  拉突尔的画作可说是十七世纪的经典,但是在他死后,人们也渐渐的淡忘了他,一直到二十世纪,他才又再度受到重视。

  拉突尔一直在故乡罗林[Luneville]生活。他的画风受到卡拉瓦乔的影响,但并不妨碍他的作品具有格外鲜明的个人风格。虽然拉突尔创作的题材主要是宗教画和风俗画,但两者往往又彼此揉合。拉突尔的画作特色在於喜欢利用烛光来创造独特的效果,构成充满气氛的情境。在显示其艺术特色方面,很有代表性。

  《基督在木匠的店裏》[Joseph the Carpenter]是拉突尔艺术成熟期的代表作之一,年幼的耶稣头上没有像中古世纪绘画中头上顶著光环或饰物,而是举著唯一的光源蜡烛,烛光造成了彷佛有光自他的脸庞放射出来的错觉,很技巧而不落俗套地营造出耶稣的神圣感。

  拉突尔在《抹大拉玛利亚的忏悔》[The Penitent Magdalen]中对人物的处理有独到之处。画作描绘曾当过妓女的玛利亚在为过去罪恶闭关苦修。膝上的骷髅提醒自己要正视死亡。桌子上还有一根鞭子和一个十字架,暗示其苦修,蜡烛火焰静静映照在在她忧郁的脸庞上。拉突尔创造了一个迥异於一般人对妓女玛利亚的印象。

巴洛克艺术-拉突尔 (抹大拉玛莉亚的忏悔 The Penitent Magdalen)

  拉图尔虽然大多是画宗教题材,但是画面上的人物却是法国的农民的衣著打扮,周围的生活环境用具都有泥土的芳香。他的作品,宗教气氛都很淡薄。


西班牙

维拉斯奎兹[Velazquez 1599~1660]

  葡裔的西班牙画家,生於塞维尔。1613 年入塞维尔巴契各 (Pacheco) 的绘画学院,在此之前,他的习画过程不详;1617 年成为能独当一面的画家。1618 年与巴契各的女儿结婚。他的早期作品「圣母受胎」(Immaculate Conception) 受巴契各著作的影响很大。他在塞维尔停留至 1622 年,前期的作品显示他偏爱以自然主义的方式表现强光照射下的物体。他的作画速度不快,下笔谨慎,技巧考究,色调肃穆晦暗。许多肖像画以简单色彩作背景,使人物的轮廓浮现出来。因宫廷职务的关系,他很少有作宗教画的机会 (西班牙缺乏神话故事,因此很少任命他作宗教画;只能利用几次义大利之游或偶而抽空作几幅主题画 (Subject Pictures)他从西班牙皇家收藏的提香(Titian)作品中,获得许多启示。

巴洛克艺术-维拉斯奎兹(布拉达的投降 The Surrender of Breda)

  维拉斯奎兹是西班牙的宫廷画家,虽然他一生绘画的主题都因此受到了限制,但也留下许多以宫廷贵族为主题的肖像。譬如《卡罗斯王子骑马像》[Prince Baltasar Carlos on Horseback]这幅画,王子骑在马上,手握权杖,意气风发,马的前蹄立起,飞扬腾达,这种表现法几乎成为后来西方绘画处理伟人肖像的典范。

巴洛克艺术-维拉斯奎兹(卡罗斯王子骑马像 Prince Baltasar Carlos on Horseback)

  维拉斯奎兹被称为是「西班牙艺术家的最高指导者」,从某种角度讲,他是个与古典主义理想美无缘的画家,而是一个伟大的写实主义者。在最著名的《侍女》[Las Meninas]里,他就回避了巴洛克宫廷艺术的歌功颂德传统。他以极平实的手法,利用镜子反照的空间,一方面记录了自己正在为国王皇后画像的场景,另一方面也描绘了年幼的公主带著陪侍宫女忽然闯入画面的偶发事件。

  在巨大的画幅中,维拉斯奎兹利用多层次的空间,使视觉产生极丰富的效果,画家本人正在作画,他拿著调色盘和笔,国王、皇后、公主,都成为他的模特儿。画家意识到自己在创作的世界才是真正的「君王」,他不再是服从於世俗权力的御用画家,他为创作者找到了独立自主的存在意义。

巴洛克艺术-维拉斯奎兹(侍女 Las Meninas)
  维拉斯奎兹的色彩理念与法兰德斯[Flemish]画家鲁本斯[Peter Paul Rubens]一样来源於对威尼斯画派的继承发展,只不过维拉斯奎兹的色彩更为淳朴自然。《维纳斯对镜梳妆》[The Toilette of Venus]是画家晚年的作品,流畅的造型,明亮的色彩是他一生艺术成就的最好总结。维纳斯[毋宁说是一位美丽的西班牙女郎]流露出一种任何画家笔下所不具备的淳朴自然的美感。

巴洛克艺术-维拉斯奎兹(维纳斯对镜梳妆 The Toilette of Venus)


法兰德斯

鲁本斯[Rubens 1577~1640]

  法兰德斯画家,生於律师家庭,青年时随凡・诺尔特(Van Noort)等画师学画,1600~1608年在义大利研习文艺复兴和十七世纪绘画的表现技法。回国后,自设工作室接受订件,门人及助手也参与绘制工作。

  他擅长神话、历史、宗教、肖像、风景及风俗画,他的作品构图气势大、色彩富丽。其成就在於融合法兰德斯和义大利的传统艺术,复兴法兰德斯画派,对欧洲绘画的发展有重大影响。1625年起曾出任西班牙等国的外交使节,晚年退出社交活动后,创作大多亲笔完成。其作品丰富,被尊称为法兰德斯第二个黄金世纪中最突出的艺术家。

巴洛克艺术-鲁本斯(Venus and Adonis)
  作为十七世纪欧洲最伟大的画家、外交家及人道主义者之一,鲁本斯可视为法兰德斯巴洛克风的具体象徵,同时,也是举世推崇的天才。

  鲁本斯是巴洛克时期的代表人物,更是法兰德斯画派的核心人物。鲁本斯因为有外交官的身分,得以周游列国,依靠临摹吸收了各国艺术大师卓越的才华,精通各类绘画的技法,其中又受米开朗基罗、威尼斯画派和卡拉瓦乔的影响最大。这可以从鲁本斯丰腴的人物造型、热情饱满的色彩、充满戏剧性的构图看出来。他又将这些元素跟佛兰德斯民族美术传统结合,加以发展,形成了自己的画风,作品表达了对人生和自然的歌颂。

  鲁本斯有一幅画《爱的花园》[The Garden of Love]充满肉欲的调戏画面,它曾经被悬挂在菲利普四世的寝宫中。这幅画的主题属於文艺复兴风格:恋人出现在一个庭院中,经常伴随著道德警讯或象徵。这幅画作是从文艺复兴到十八世纪之间华铎[Jean-Antoine Watteau]等画家类似主题转变的重要连接。

巴洛克艺术-鲁本斯(爱的花园 The Garden of Love)
  《自画像》[Self-portrait] 是鲁本斯最后一幅自画像,它遵循十六世纪威尼斯画派的风格,在色调运用上下了一番功夫。画中的鲁本斯,装著盛重,身上并且佩著象徵爵位的佩剑。他气宇轩昂,容止闲雅,流露出自信及满足神情。即使右手戴著手套,提醒著观者他晚年手部痛风而不得不抛弃画笔的无奈。

巴洛克艺术-鲁本斯(自画像 Self-portrait)

荷兰

林布兰[Rembrandt 1606~69]

  林布兰是十七世纪荷兰画派最典型的巴洛克画家,也是近代西洋艺术来影响最深远的大师级人物。

  随著荷兰独立以后的市民社会一起成长,林布兰歌颂新崛起的市民生活,为商业社会的医生、纺织公会理事、负责社区安全的民兵队伍画像。他的肖像画有些是个人肖像,但更多是集体肖像,强调团体中人与人的关系。

  林布兰使群像画的观念发生决定性变化,使之不再是千篇一律的罗列千人於一列的做作肖像,而是成为一个有情节的舞台场面,每位人物都是那个舞台上的演员。在林布兰的名作《杜尔博士的解剖学课》[The Anatomy Lecture of Dr. Nicolaes Tulp]中,林布兰便如此安排了八个人物,每人分别担当一个角色,各自具有独特的位置和引导作用,而整体的情绪基调则和谐统一。

巴洛克艺术-林布兰(杜尔博士的解剖学课 The Anatomy Lecture of Dr. NIcolaes Tulp)
  杜尔博士把剪刀伸进一具尸体的上肢进行解剖,学生们围在他身旁,兴致勃勃地或观看操作示范或对照阅读维萨里的解剖学课本。被解剖的尸体、专注观察的助手、冷静自信的医生,都构成画面上不可或缺的部分。以近於冷酷的理智态度切入生命,没有个人情绪的好恶,却又透露崇高的理性价值,也正是当时荷兰建国的新精神,和源起於宗教崇拜的义大利巴洛克风非常不一样。

  《夜巡》[The Nightwatch]是林布兰阿姆斯特丹风格初期与成熟期的分界作品,描绘阿姆斯特丹民兵队伍的行进。这幅画十分巨大,人物众多,打破了当时荷兰集体肖像画一字排开的呆板画法,林布兰以更具戏剧性的方法,解决将众多肖像整合在画面中的构图问题。

  这幅画中充满忙乱的活动,众多人物在画面中错落,用丰富的光影、不同的姿势构成丰富的视觉景深。手势和脸部表情相对照,以相反运动横越过画面,在复杂的空间中,引领观者以视线曲折的前进与后退。

巴洛克艺术-林布兰(夜巡 The Nightwatch)
  卡拉瓦乔创立的明暗对比法,但是林布兰将它发展为更富戏剧化的舞台灯光效果,营造出神秘多变的气氛。有些隐藏在背后的人物,由於特别的光线处理,彷佛被舞台上的光照亮,忽然变成了主题。林布兰先将背景色调压暗,再逐渐使画面亮起来,他所创造的绘画技法,成为西方油画的经典。

  林布兰一生创作了近百张的自画像,成为西方艺术中对自己最严格的解剖。他的自传像经历许多阶段,尤其到了晚年,笔下的自画像,满脸皱纹,茫然而旁徨地看著人间,充满无限感伤,又彷佛无限悲悯,使绘画不再只是表象肤浅的赏心悦目,而是深沉的心灵挖掘,给予绘画美学更深刻的揭发人性的内涵。

巴洛克艺术-林布兰(青年自画像 Self Portrait as a Young Man )
  正如画他人的肖像一般,林布兰画自画像的动机,也是由於对人性本质所产生的强烈兴趣而产生。他的自画像中,有近百幅不同质材者,可视为「真正的」自画像,盖其忠实地描绘了各个时期中不同的心路历程。
 
  林布兰的巴洛克风格没有宗教与宫廷的虚华,而是以最厚实的方法刻划人生的现象,在冷静中内敛著饱满的热情,他使绘画被革新,被颠覆,也以绘画变成他生命最后的救赎。

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四.洛可可艺术

晚期巴洛克艺术又被称作洛可可艺术(Rococo),在十八世纪取代了古典巴洛克艺术

洛可可艺术 是法国十八世纪的艺术样式,发端於路易十四 1643~1715 时代晚期,流行於路易十五 1715~1774 时代。
  十八世纪初叶,巴洛克风格的艺术继续在欧洲各地流行,,但同时则有一种用色清淡甜美,充满了幽雅华丽感觉的「洛可可」[Rococo]的艺术风格在法国产生,并逐渐盛行的艺术风格在法国产生。由於当时人们对路易十四的严肃风格失去兴趣,改而追求实用亲切的空间,因此许多洛可可的绘画是以风俗画为主。

Rococo 是从法国字 rocaille 演变而来的,原是指一种混合贝壳小石子制成的室内装饰物。

  洛可可艺术主要是指在法王路易十五时代(1715 年以后)的一种室内装饰风格:常使用 C 形、 S 形曲线或漩涡状花纹许多优美的小弧形是其特色。洛可可艺术的另一个特色是甜美轻快、精巧华丽,而没有巴洛克艺术的宗教气息和夸张的情感表现。存在的时间不长,很快被新古典主义取代。

  洛可可风格虽保有巴洛克风格之综合特性,却去除了以往艺术的仪式性与宗教性,改以轻快、奔放、易亲近和日常性取代王权思想与宗教信仰的气息,藉以强调精美柔软的气氛,又大量使用光线,表现出一种装饰性风格。

  从形式上看,洛可可绘画将巴洛克式的阴暗色调改为轻量的色彩,以突出蓝绿等亮色调,使银灰色显得不那么冷峻,并突出粉红、红色和淡紫色的层次变化。线条则类似建筑物和装饰的线条,呈现连续弯曲的曲线,成为随意但又精致的整体。

    缯画作风轻快华丽 ;雕刻多为室内装饰用的小雕像,与巴洛克的显著差别是小巧、精致、甜美而优雅。巴洛克是奉献绐王权的 ;洛可可是致力於各人快乐的寻求,更加彻底现实化的。画家擅长描写轻浮而逸乐的贵族生活。主要画家有华陀 、布雪 、弗雷哥纳尔
 
  洛可可的建筑外观,与巴洛克的建筑相近,著重内部繁复的装饰。雕刻则与家具等成为室内装饰的一部份,缺乏独立的机能。绘画方面以风俗画为主,用色清淡、甜美,充满了幽雅、华丽的感觉;描绘的题材,除了豪华的贵族以外,尚有肖像、风景、神话以及平民生活。

  洛可可艺术流传区域不广,於十八世纪中叶逐渐衰微,而为新古典主义所取代。
   
  重要画家:

  法国 — 华铎[Watteau 1684~1721]
     — 夏丹[Chardin 1699~1779]
     — 布雪[Boucher l703~1770]
     — 福拉哥纳尔[Fragonard 1732~1806]等

  义大利 — 提也波洛[Tiepolo 1696~1770]

  英国 — 霍加斯[Hogarth 1697~1764]
     — 雷诺兹[Reynolds l723~92]
     — 根兹巴罗[Gainsborough 1727~1788]等

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五.洛可可艺术代表画家

法国
 
华铎[Watteau 1684~1721]

  华铎出身於法国乡下的工匠家庭,后来成为巴黎法国皇家美术院[Royal Academy]会员,在绘画方而成就非凡。他的作品多半以鲜艳的色彩描绘人们欢聚一处,优雅享受闲暇时光的逸乐风情。可是他本身非常孤独,像是知道自己会因肺结核早早过世般,不眠不休地投注全副精力在工作中。

  华铎从小家境贫苦,酷爱绘画的他,19 岁就抱定决心要当一个画家,而离家到巴黎去学画,并跟随剧院的舞台装饰家吉洛特[Claude Gillot]门下学习到义大利式的「即兴面具喜剧」[Commedia dell'arte]式的舞台画。

洛可可艺术-华铎(威尼的节庆)
     华在吉洛特身边期间,常在剧院和街头观赏戏剧及杂耍表演,并且作了很多写生习作,这些后来都成为他绘画中不可或缺的要素。而后华铎又成为当时巴黎卢森堡宫的监理奥德隆[Claude Audran]的助手,在此期间,他学会洛可可风格图案装饰,并且潜心研究宫里珍藏的鲁本斯[Peter Paul Rubens]的组画《玛莉・麦第奇的故事》,鲁本斯的鲜艳色彩和奔放的笔触带给他极大的影响。华铎 29 岁时成为美术院的院士,从此得以进出宫廷和上流社会,将贵族的洛可可式的生活和趣味描绘下来。

  华铎擅长画舞蹈和喜剧等题材的绘画,其中最有名的杰作就是《塞瑟岛朝圣》[Pilgrimage to Cythera]。塞瑟岛[Cythera]是希腊神话中的一个想像岛屿,是爱神和诗神所游赏嬉戏的地方,这幅画是画著前往这个岛屿游览的一群贵妇,构图非常华丽,也充满了诗情和空想。在洛可可式的绘画中,这幅画算是出类拔萃的,因为这其气象高贵洒脱。是路易十五时代的宫廷画家。他画梦一般的生活情景,一切事物看来都是令人愉快,绅士淑女们在林中嬉戏、野餐,人物表情则优雅单薄。
洛可可艺术-华铎(义大利喜剧演员 Italian Comedians)

  曾经当过舞台美术家的助手,情境化的舞台给了他许多灵感,所以他经常描绘演员的生活,构图方式也吸收自舞台设计。除了戏剧生活,他还常画纨裤子弟的风花雪月,笔下的人物生活光鲜浮华,很得贵族青睐。华铎因肺病只活了 37 岁,但他留下的大批素描、速写和草图,对后来印象派画家的素描技巧影响很大。

  华铎晚期的画作显示他的画风变得较具现实感。在几张相当小的作品之后他画下了《丑角吉尔》[Gilles]这幅画作,总结了他一生遗世独立以及局外人的感觉。虽然这不是他的自画像,但是自比是画中人的倾向非常强烈,因而增加了伤感效果。

洛可可-华铎 (丑角吉尔  Gilles)
  这幅《丑角吉尔》[Gilles]的背景有一群演员在笑著,还有一人拖著一头驴,华铎故意将画的主体摆在小丑胸前的装饰和衣服上。月亮形状的帽子包围一张生动但是庄严的面孔,他缺乏动作,明显与背景聒噪活泼的面孔呈现强烈对比,与群体完全分离。丑角看来无所事事,其他人则非常活跃,他一点笑容也没有,而他们兴致盎然。一个独立的个体嵌入一个不属於他的团体。很难不认为华铎想表达的是他的个人自觉。

  华铎以优美的笔触和瑰丽的色彩描绘即将崩溃的享乐世界。他的画总是带著一种淡淡的哀愁,让人觉得既有欢乐又有无限的愁怅迷茫。他的画是没落贵族生活的真实写照,这也是其艺术的价值之所在。


夏丹[Chardin 1699~1779]

  夏丹是法国最杰出的静物及风俗画家。简单、严谨和自然是他的静物画的风格,题材多为极简单的东西,如厨房用具、蔬菜、猎物、盛在篮中的水果、鱼等,而其特出之处在厚涂的技法和坚实的色彩,藉著纤细的笔触,以及晕涂、无光泽色的巧妙运用,而产生相当深沈的调子,它们在视觉上有一种理直气壮的诚挚,而忠实於表现真实的景象。他的风俗画多为小件作品,画中产阶级家庭中小人物简单的日常生活,既无感伤也不造作。

洛可可艺术-夏丹(银酒杯  The Silver Goblet)

   夏丹的画喜欢以静物大部分取自室内景物和中产阶级家庭,并作沉静写实的描写,与当时的绘画主流背道而驰。留下的素描作品对后世也有巨大影响。晚年当他的眼力开始退化,他转向了粉彩,当时未受赏识,如今这些粉彩画现在被高度重视。

洛可可艺术-夏丹(酒窖男仆  Il Garzone di Cantina)

  《鳐鱼》[The Ray]这幅画是夏丹代表作之一,也是最早的成名作,使他成功的以三十三岁的青年之姿成为皇家艺术学院成员。厨房中柴米油盐酱醋茶是夏丹喜欢的题材,在《鳐鱼》中,夏丹以其一贯冷静的笔法呈现了生活中真实平凡的一面,血腥的鳐鱼闪闪发光,乍看时颇令人震撼,但是一旁龇牙咧嘴曲背的猫,又让人莞尔一笑,与此同时,也增加了画面的动感。

洛可可艺术-夏丹(鳐鱼  The Ray)

  夏丹与许多二十世纪抽象派画家不同,他从不放弃透过表象,去追求「纯粹的形式」,或著可以说,他所要采用的是不受主题影响的形式。


义大利

提也波洛[Tiepolo 1696~1770]

  提也波洛是最后一位重要的威尼斯派装饰画家,也是义大利洛可可最纯粹的诠释者。他跟一位名叫拉札瑞尼[Lazzarini]的无名画家学画,但是却受到当时画家利契[Sebastiano Ricci]与毕亚契达[Piazzetta],以及前辈画家维洛内些[Veronese]的影响和栽培。1719 年结婚后,开始形成个人明亮而松弛的风格。
 
  1725 年,提也波洛著手乌第纳的总主教宫殿工作,这是他第一项重大的湿壁画装饰工作。这些壁饰显示出他纯熟的技法,作湿壁画所必须的明亮色调与轻淡色彩,显然有助於摆脱他早先所研习的色调阴暗的毕亚契达风格。乌第纳的湿壁画同时也显示,他发展出以一种超越平面构图的夸张透视法,来构筑他的世界,画中的建筑物后退到模糊的远处。完成乌第纳湿壁画之后,提也波洛遍游义大利北部,为宫室和教堂做了许多湿壁画,并以油彩作祭坛画。

洛可可艺术-提也波洛 (圣母怀孕  The Immaculate Conception)
  1761 年,受查理三世[Charkes III]之邀,前往西班牙,装饰在马德里的皇宫。1762 年抵达,然后带领儿子和助手,花费 4 年的时间完成宫中的巨大顶棚画。1767 年查理三世又委托他为阿蓝赫斯作了 7 幅祭坛画。提也波洛在马德里突然去世。他的作品遍布於各处的教堂、宫室和画廊。

  提也波洛具有灵活的创造性,技法也十分巧妙。他发展了纯绘画,这种绘画透过准确的著色以使形象具有超自然、阳光般明亮的效果。他在进行创作的时候,将建立在十七世纪装饰画幻觉主义理想基础的一些规则丢到一旁,豪不掩饰他想像的形象是虚构的。他使用了大胆的透视和令人惊奇的缩景手法,使空间显得无限遥远,富有幻想趣味。

  在《天使救助夏甲》[The Angel Succouring Hagar]这幅画的前景是夏甲即将渴死的儿子,画中最引人注目的是天使与夏甲的对话姿态,给人一种紧密感。整个构图的气氛流露出一种怜悯心,这种怜悯心见诸人物的对话和脸部的表情,特别是画面中,清楚坦率的感情交流,这一切都向我们揭示出人物姿态与内在的情绪。
洛可可艺术-提也波洛(天使救助夏甲 The Angel Succouring Hagar)
  而色彩,甚至在对物体仪表的造型探索上,也都是绚烂明亮的,从而确定了提也波洛的艺术令人激动的原因,他用明快的色调与赭石色、深棕色相互调配,这些颜色在夏甲的蓝袍,和灰蓝色天空的衬托之下显得而更加醒目。

英国

英国的缯画,到十八世纪开始显出自己的风格,主要是肖像画家,受到文艺复兴威尼斯派的影响较大。

霍加斯[Hogarth 1697~1764]

  霍加斯是英国画家。他起先学作金匠,在 1720 年左右开始作雕版画。他曾经在圣马丁的兰恩学院就读,但是并没真正达到作一个素描家应有的水准;不过,他充分留意到学院训练的需要,因此后来在圣马丁的兰恩推动另外一个学院,那就是皇家美术院的主要先驱。他开始画小幅的群像与交谈画[conversation piece]。1729 年他娶了桑希尔[Thornhill]的女儿,而且开始有了名气。这时候的作品中,最成功的,就是「乞丐的歌剧」[Beggar's Opera],他可能就在此时从肖像画转到他最为人所知的作品---道德寓意画。

  霍加斯自述:「婚后,我开始画小幅的交谈画,从 12 寸到 15 寸不等。这种画很新鲜,有好几年都受人欢迎……因此我的想法就转到一个更加新鲜的模式,就是用油画与版画来表现现代道德主题,这是任何国家或任何时代都没有开发过的一个领域。我因此想要在画面上作出一种构成,类似舞台上的表现;而且更希望,这些画会受到同样的考验,并且依照舞台表现的标准来加以批评…我努力照一个戏剧作家的眼光来处理我的主题;我的画就是我的舞台,而男人和女人是我的演员,他们藉著某种动作和姿态,来扮演一幕哑剧。」

  他的声名,无论过去和现在,大体上都建立在他的道德寓意主题的版画上面。这些画的目的,是要让观者去「读」那些细节,而不要把它们看成是艺术作品;不过,终其一生,他都能够画很卓越的油画。

洛可可艺术-霍加斯(伯爵夫人晨间招待会  The Countess's Morning Levee)
  英国画家霍加斯对所处的时代有著深刻的认识,并且对恶习和腐败毫不留情的予以痛斥。他以尖锐的讽刺画直接抨击英国贵族,同时也没有放过资产阶级和大众阶层。明确表示要负起教育的责任。他是英国风俗画的奠基人,这种性质的绘画在他之前很少见。这些作品揭露了当时英国社会的腐败,描绘了富人的的乖癖与穷人的苦痛。

  《流行婚姻》[Marriage a la Mode]系列组画是由六幅画作所组成的:婚约、结婚过候、访庸医、伯爵夫人的早起、伯爵之死和伯爵夫人之死。霍加斯通过这六幅画,谴责在功利主义的前题下结合的婚姻。组画中的第二幅《结婚过后》[Shortly after the Marriage]是描绘家庭内部的生活情节,并刻画著婚姻的真理:没有爱情就不可能有正常的家庭生活。

洛可可艺术-霍加斯(流行婚姻:结婚过后  Marriage a la Mode)
 

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六.巴洛克艺术与洛可可艺术差异

巴洛克

    风格著重在强烈感情的表现,强调流动感、戏剧性、夸张性等特点,追求新奇、热中於无穷、不安和对比、以及各种艺术形式的大胆融合。常采用富於动态感的造型要素,如曲线、斜线等。其风格趋向,多少也反映了当时欧洲的动荡局势、不安而丰裕的现实景象。

1.善用动势:不管是实际的,如波形的墙面或不断变化的喷射状的喷泉:还是含蓄的,如描绘成充满
                活力或动作显著的人物不同於古典文艺复兴时的静态表现,而呈现歪斜配置的动感
2.力图表现或暗示无穷感:例如伸向地平线的道路,展现无际天空幻觉的壁画,运用变换透视效果使
                其变得扑塑迷离的镜面手法。
3.强调光线:设计一种人为光线,而非自然的光,产生一种戏剧性气氛,创造比文艺复兴更有立体
                感、深度感、层次感的空间。造成轮廓线模糊,构图有机化,而有整体感,追求戏剧
                性、夸张、透视的效果。
4.不拘泥各种不同艺术形式之间的界线,将建筑、绘画、雕塑等艺术形式融为一体。

洛可可

    路易十四常在凡尔赛宫开各种舞会,藉著繁琐的礼仪与无意义的职务折腾贵族们,再以富丽堂皇的宫廷装饰营造悠闲的环境,有利搞风流韵事,以便消耗贵族们的精力,使他们无暇去策划造反。
因此艺术家授命编造一种理想生活的极乐世界情景,其唯一的目的是塑造出一个悠闲的、实际上是懒惰的社会快乐。

◎是相对於路易十四时代那种盛大、庄严的古典主义艺术的,这种变化和法国贵族阶层的衰落,与启
   蒙运动的自由探索精神(几乎取代宗教信仰),及中产阶级的日渐兴盛有关。

◎在形成过程中还受到中国艺术的影响,特别是在庭园设计、室内设计、丝织品、瓷器、漆器等方面
   如中国人物小陶瓷 麦尔,德国,1768 由於当时法国艺术取得欧洲的中心地位,所以洛可可艺术
   的影响也遍及欧洲各国。

◎艺术的繁琐风格和中国清代艺术相类似,是中西封建历史即将结束的共同徵兆。

1.曲线趣味,常用C形、S形、漩涡形等曲线为造形的装饰效果。
2.构图非对称法则,而是带有轻快、优雅的运动感。
3.色泽柔和、艳丽。
4.崇尚自然。
5.人物意匠上的谐谑性、飘逸性,表现各种不同的爱,如浪漫的爱、性爱、母爱等。